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MANIFESTE #5-3 L'herméneutique

L'HERMÉNEUTIQUE ou l'étude de la théorie et de la méthode de l'interprétation

À la lecture de ce texte j’ai été confrontée une fois de plus à la théorie de l'herméneutique.  HélèneCaroline Fournier, historienne, autrice et experte en arts en avait fait état dans un dossier d’artiste qu’elle me recommandait. Cette théorie, dans les arts visuels, se tourne en particulier sur des textes et des œuvres d'art. Elle se concentre sur la manière dont nous comprenons et donnons du sens à diverses formes de communication, qu'il s'agisse de langage, d'art, de musique ou de toute autre forme d'expression. Dans le contexte de l'art, l'herméneutique s'intéresse à la façon dont les œuvres sont interprétées et comprises par les spectateurs. Cela inclut l'examen des intentions de l'artiste, du contexte culturel et historique de l'œuvre, ainsi que des réactions personnelles et subjectives des spectateurs.

Lorsqu'une artiste peint des fleurs, l'herméneutique nous invite à explorer au-delà de la simple apparence de l'œuvre. On peut se demander ce que les fleurs représentent, quelles émotions ou idées l'artiste cherche à transmettre, et comment notre propre expérience et notre contexte influencent notre perception de l'œuvre. Les fleurs pourraient symboliser la beauté, la fragilité de la vie, ou avoir une signification personnelle pour l'artiste ou le spectateur. Si on applique cette théorie à une sculpture intitulée, pour les besoins de la cause : "Cloud", l'herméneutique nous amène à réfléchir sur ce que le nuage représente dans cette œuvre spécifique. Est-ce une exploration de la forme et de l'espace, une métaphore de la transience1 et du changement, ou une expression de quelque chose de plus abstrait ou émotionnel ? L'interprétation peut varier grandement en fonction du contexte dans lequel la sculpture est présentée et de la manière dont elle est perçue par différents individus. Une métaphore de la transience1 fait référence à une représentation symbolique de l'éphémère, du temporaire, ou du caractère passager de la vie et de l'existence. Dans l'art et la littérature, de telles métaphores sont souvent utilisées pour exprimer l'idée que rien n'est permanent et que tout est en constante évolution ou en déclin.

Voici quelques exemples de métaphores de la transience :

Les Fleurs Fanées : En peinture ou en poésie, les fleurs fanées sont souvent utilisées pour symboliser la beauté éphémère. Elles rappellent que la jeunesse et la beauté ne durent pas éternellement et sont sujettes au passage du temps.

Les Ruines : Les représentations de ruines, que ce soit dans l'art visuel ou la littérature, peuvent symboliser la transience des civilisations et des cultures, rappelant que même les plus grandes réalisations humaines sont éphémères.

Les Saisons : Les changements de saisons sont une métaphore courante de la transience. Ils représentent le cycle de la vie, de la naissance à la mort, et le renouvellement constant de la nature.

Le Sablier : Souvent utilisé dans l'art pour représenter le passage du temps, le sablier est une puissante métaphore de la transience, soulignant que chaque moment qui passe est irréversible.

Les Ombres ou Reflets : Les ombres ou les reflets, particulièrement dans la photographie ou la peinture, peuvent être utilisés pour évoquer la nature éphémère et insaisissable de la réalité.

Ces métaphores servent à rappeler la nature temporaire de l'existence humaine et à encourager une réflexion sur la manière dont nous vivons nos vies, en soulignant la valeur de chaque moment présent. L’art figuratif est souvent ramené à un art populaire et décoratif. L’intention de l’artiste, sa réflexion, les sensations, les sentiments que l’œuvre dégage sont à prendre en compte et à valoriser ce genre.

Mais revenons à nos moutons et pardonnez-moi cette incartade. Je tiens à parler de l’importance de la position de l'art figuratif par rapport aux concepts du rien, du vide et du néant dans l'art qui est complexe et nuancée. Bien que l'art figuratif se concentre sur la représentation de formes reconnaissables, il explore et intègre ces concepts de manière subtile et significative.

Dans l'art figuratif, le concept du rien peut être exploré à travers le sujet de l'œuvre elle-même. Par exemple, une scène dépeignant un paysage désolé ou une pièce vide peut évoquer un sentiment de vide ou d'absence. De plus, le rien peut être suggéré à travers l'utilisation d'espaces négatifs, où ce qui n'est pas montré ou est laissé en blanc acquiert une signification particulière.

Le vide dans l'art figuratif peut être représenté de manière littérale, comme dans les scènes de vastes espaces ouverts ou de ciels infinis. Cependant, il peut aussi être métaphorique, représentant un vide émotionnel ou spirituel. Les artistes figuratifs peuvent utiliser des compositions, des couleurs et des techniques pour créer une sensation de vide ou de solitude, même dans des scènes peuplées. Qui n’a pas admiré les ciels de Guy Paquet, artiste-peintre charlevoisien ?

Le néant dans l'art figuratif est souvent abordé de manière conceptuelle. Il peut être représenté par des scènes de ruines, de désolation ou de déclin, suggérant l'éphémère et la finitude. De plus, le néant peut être exploré à travers des thèmes de perte, d'oubli ou d'inexistence, où les sujets figuratifs servent à souligner ces idées.

En résumé, bien que l'art figuratif se concentre sur la représentation du monde visible, il peut néanmoins engager de manière profonde et significative avec les concepts du rien, du vide et du néant. Ces thèmes sont souvent explorés de manière symbolique ou métaphorique, offrant une riche couche de signification sous la surface visible de l'œuvre. L’art figuratif ne doit pas être banalisé. Il est important de reconnaître sa valeur intrinsèque et de promouvoir une compréhension plus profonde de sa contribution à l'histoire de l'art et à la culture contemporaine.

J’ai développé des diaporamas en .ppt sur l’histoire de l’art (depuis le big bang à nos jours) lol et une autre série sur le marché de l’art à travers l’histoire de l’art pour encourager l'éducation artistique qui met en lumière la richesse et la diversité de l'art figuratif. Ces cours d'histoire de l'art explorent les différentes périodes, techniques et thèmes de l'art figuratif et abstrait.

Il faut à tout prix souligner la maîtrise technique et le talent impliqués dans la création d'œuvres d'art figuratives. Je veux mettre en avant le talent, la précision et le temps nécessaire pour réaliser des œuvres figuratives pour aider à rehausser leur appréciation.

 


1 Réaction(s) Écrivez vos réactions à ce texte »

HeleneCaroline Fournier
2023-12-11 @ 15:13:09

En supplément d'information L’herméneutique est une branche de la philosophie. C’est l’art de l’interprétation et du comprendre. L’herméneutique est utilisée pour comprendre les textes (c’est le fameux « lire entre les lignes »). Elle est utilisée pour les textes de loi tout autant que pour les textes à caractère philosophique ou religieux. Pour les arts, elle nous vient d'Hans-Georg Gadamer, l’élève de Martin Heidegger, tous deux philosophes allemands. Gadamer a publié en 1960 un ouvrage très intéressant : Vérité et Méthode. Dans ce livre, il explique que la méthode ne suffit pas. Une œuvre ne peut pas être expliquée uniquement selon notre propre horizon d’attente. Il dit aussi que tout texte est une réponse à une question. Si on reporte sa pensée aux arts visuels, cela reviendrait à dire que toute œuvre est une réponse à une question, donc au besoin d'y répondre. Le travail de l’herméneute de l’art est de trouver quel est ce besoin qui a fait naître l'oeuvre. Il ne s’agit plus de regarder l’œuvre pour ce qu’elle représente visuellement sur son support, mais d’aller au-delà de la simple image pour remonter à sa genèse (le besoin de l’artiste de peindre ce sujet précis, à ce moment-là, de cette façon-là). L’herméneutique de l’art n’est donc pas une technique sophistiquée de divination, comme plusieurs le pensent souvent. Il se base sur les théories de l’art, sur la théorie de la connaissance, sur la philosophie de l’art, sur le symbolisme, etc. C’est un acte d’immersion dans la psyché de l’artiste, décomposant l’acte de peindre, de dessiner ou de sculpter. C’est un acte d’interprétation et de compréhension profonde de l’œuvre qui est le miroir de l’âme de l’artiste. Dans certains cas, il est possible de psychanalyser l’artiste à travers son œuvre, d’identifier des blocages inconscients et de le laisser travailler sur une possible guérison intérieure avec un psychothérapeute, si nécessaire. Sous l’œil de l’herméneutique de l’art, une œuvre artistique n’est plus un sujet représenté, mais un journal intime publié.

 

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